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Leonard

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Harry Potter and the Secret of Sequels

SEQUELS


Despite the bad rap they always get, I’m actually a fan of sequels. They have the unique opportunity to bring us back to a place that we already know even though it doesn’t exist. When done right, they  further develop an emotional journey that we witnessed and exceed our  greatest expectations that came with the first installment.

But after getting out of yet another miserable sequel of a once awesome movie, I’m faced with the same old question.

Why do they suddenly forget how to write a fucking screenplay?

I mean they did it right the first time. The motives and character developments were solid, the plot had a decent pace and the emotions seemed to be oh so crystal clear. Everything work out. That’s the reason why they were able to do a sequel in the first place. Because they made a good movie. And then suddenly, as the second installment comes around everything is all over the place. The story is almost non-existent. Characters get introduced without any reason at all…and are killed off minutes later. The motivations of the main protagonist are a mess. Like an actual mess that no one seems to be able to unravel.

And no line of witty dialogue or a well rehearsed action scene is capable of covering that up.

THE SECRET OF THE SEQUEL

But the most frustrating part about it..it’s not that hard to write a good sequel. Honestly. The secret is actually surprisingly simple. And I will prove it to you using one of the best sequel in movie history:
The Harry Potter saga. Especially it’s first three installments: Philosopher Stone, Chamber of Secrets and Prisoner of Azkaban. With a very simple trick J.K. Rowling managed to capture an audience for years on end and create one of the most immersive fantasy-worlds in modern writing.

So if your are a movie buff that is sick and tired of awful sequels or you are a producer, screenwriter, filmmaker and eager to continue your story, listen up. Because here is the secret to Harry Potters immense success…

It’s all the same story.

KNOW YOUR GENRE

Now despite IMDb or common believe the Harry Potter movies aren’t actual fantasy stories. Sure they have magic and dragons and stuff, but in their core the movies (and books) are mystery stories. Three young students on their way to discover a mystery that needs to be solved. Gregory Austin McConnell actually described that pretty well in his essay on ,The cursed child’ and why it didn’t seem like a normal ,Harry-Potter-Story’.

So each year again and again Harry, Ron and Hermione come across a mission that they need to solve. They gather clues and informations and go on to overpower the bad guy with wit, skill and bravery. And although that doesn’t seem like much, most sequels forget what genre the original movie was even in. Because genre is not defined by the costumes, special effects or set pieces of the movie. It’s defined by its writing.

Side note: One solid way testing of whether a story is a mystery or an action adventure is by looking at it’s climax. An action adventure usually ends with an epic battle of good versus evil. Whereas in the Harry Potter stories…they are just talking. And I don’t say thats bad. I like the talking. But there is a lot of it!

The fact, that Harry Potter stories are mysteries becomes also fairly obvious when you watch (or read) Chamber of Secrets, where one of the characters is actually called Tom Riddle. The clue is in the name. And this leads me to the next similarity between all three of the movies.

MYSTERIOUS BAD GUY

 The antagonist. When Harry first discovers Toms Diary he takes him as a fine young man. He believes his stories and follows his advice. It’s only later on that he discovers that said young man is actually Lord Voldemort. Now this twist in character is seen almost throughout the entire Harry Potter franchise.

Lets take a look at year one: There we have Professor Quirrell who is portrait as a shy, stuttering mite only to find out the he was scheming to steel the philosopher stone all along. Even more important is the surprising turn of Professor Snape. Harry, Ron and Hermione strongly believe that he is eager to steal the stone himself, when in reality he tried to protect it.

In the second book (and film) this shift is seen in Professor Lockhart who is introduced as a stunning wizard. But when his moment comes he reveals himself to be a cocky liar who doesn’t know anything about anything. Tom Riddle on the other hand, who seemed so innocent, is revealed to be the true antagonist. Even the usual suspect Draco Malfoy is declared innocent when we find out, that it was the little Ginny who set the Basilisk free.

Not to bore you, but to complete the example, we go on to the third installment. There we have Sirius Black, in my opinion the greatest written character in human history, who is introduced as the most dangerous criminal the wizzarding- (and muggle-) world has ever seen. After Lord Voldemort that is. Only to discover later in the story that he was the good guy all along and that it was Ron’s Rat Scabbers aka Peter Pettigrew who committed all these crimes.

So every time we have a surprising change in character. It’s a motive that keeps recurring so I’m pretty sure you can find the character twist in the fourth book on your own.

,But this is merely a similarity in theme not in structure‘, you might say. And sure, although all these characters identities are revealed at roughly the same time in the story, I might let you have the argument. So lets dig deeper.

SAME PROCEDURE AS LAST YEAR

Each year starts with Harry being at the Dursleys.

Having the same starting point, just like in a sitcom really helps to capture the audience expectation of the previous movie.

But the Dursleys are boring. We want something magical to happen. So sure enough, in his first year, Harry frees a snake at the zoo. On accident of corse. Next year Dobby destroys the desert. Something that Harry didn’t plan on either. And in the third movie Harry blows up his aunt. This happens at almost the exact time in each book and get’s Harry in some trouble. Luckily there is someone or something to help him out of it. In book one Hagrid comes along and declares that Harry is indeed a wizzard. Second year it’s the Weasley Brothers who do the saving. And lastly we have the Knight Bus arriving to save the day.

It’s the exact same procedure each year again. Harry is at the Dursleys. He does something magical, gets into trouble and is saved by an ally. Same for all three stories? Then lets move on.

SAME PROCEDURE AS EVERY YEAR

One of the more ingenious ideas of J.K. Rowling is aligning the plot points of the story arc with the holidays of the year. So when Halloween comes around you can be sure something will happen. It’s a troll in the dungeons! Oh, there is a bloody message on the wall. Sirius attacked the fat lady. It’s the time of ghosts and horror. So let the bad guy close in. They might as well close the school over Halloween, because it’s getting way to dangerous.

Luckily Christmas isn’t far away. And it’s the Holiday of joy and love. And present!

So let’s give Harry something to help him defeat the bad guy. Like a cloak that makes him invisible. Or a potion that turns him into someone else. Or a map that let’s him get around unseen. It is Christmas after all…

And there are more patterns like this. Quidditch is there to hurt Harry. Whether it’s his broomstick that is out of control, or the Bludgers or the Dementors.

The forbidden forrest adds tension. And in order to get to the bad guy, Harry has to go down – like actually underground.

CHARACTERS


But not just the events in Hogwarts are boiled down to their singular meaning. Every character in the Harry Potter story has one purpose and one purpose only. They act on the framework of their personality and help or hinder Harry in his mission to save the wizzarding world.

Lets take Hagrid for example. He sure likes his creatures. That is his mayor character property. And every year he gets himself and one of his creatures into trouble. In the first year Harry, Ron and Hermione need to help him get rid of his Baby Dragon Norbert. Next they visit his pet Spider Aragog to prove his innocence. In the Prisoner of Azkaban they free Hagrid’s Hippogriff Buckbeak that is sentenced to death.

It’s a repeating pattern, that always stays the same. In each of the three stories Hagrid has some trouble with one of his creatures and needs help from our protagonists. And it’s not just Hagrid who keeps on playing the same song over and over again. But I’m sure you figured that out by now.

THE FINAL

So now that Hagrid is saved from his troubles lets focus on the bad guy, alright? We are almost at the end of the year. Harry, Ron and Hermione have gathered enough intel to take on the bad guy. But since Harry is our Hero he has to face him on his own. So let’s have Ron fall from a horse and Hermione not drink the potion. They’ve done their part. Harry can go on on his own now. Well next year is no different apart from the fact, that Hermione got knocked out pretty early on, leaving Ron and Harry to go down the Chamber of Secret. And if you think this is unfair and that Hermione should get her screen time as well, just take a look at Prisoner Of Azkaban, where it’s Ron who stays in the Hospital bed so that Harry and Hermione can pair up to save the world.

IN CONCLUSION

So these are just a few similarities between the three first books of the Harry Potter franchise. It’s actually quite the fun exercise to find the similarities between the stories. I have only pointed out the major plot points, but when you dig deeper, you will find different character flaws, situations or even sentences that are repeated throughout the series. I’m sure you will be able to find some more parallels on your own. And I’m also sure, that you might be able to figure out why the Order Of The Phoenix didn’t seem to work that well. But before you start screaming, heres a little disclaimer.

DISCLAIMER

I’m not writing all this to denigrate J.K. Rowling. I’m not saying: Oh she’s so lazy. She just wrote the same story over and over again and made millions of dollars off of i’.
Quite the opposite actually. I want more writers to be brave enough to stick to their story. Because in the end, it’s all one song anyways.
I think that J.K. Rowling’s imagination really proves her skill in writing. You can tell the old story over and over again. But making up flying cars, little boys trapped in diaries, a tree that tries to kill you, Dementors (frankly the best creature ever created in human history (if you want to call them ,created‘ that is)) or even the Knight Bus. These are all highly original ideas. Especially when you think about how smoothly they are woven into the story structure of these mystery books.

ADDING CHARACTERS

Now there is one last thing I want to talk about before I leave you to it. And that is scale. Most of the franchise seem to be build around one statement and one statement only: The more the merrier. Just take a look at the casting list of Pirates of The Caribbean 2 vs. it’s predecessor. It almost doubled. Every time Hollywood gets it’s hands on a franchise they suddenly start to bring up side-characters, side-quests, side-stories. Without any need for them at all. Because all that does is to distract us from the main character.

Compare that to Harry Potter and the Chamber of Secrets where J.K. Rowling introduces just two new major characters. Gilderoy Lokchart and Tom Riddle. And one of them is a replacement for poor Professor Quirrell. That means, that most of the plot is wrapped around our three main protagonists Harry, Ron and Hermione (aka the ones that actually matter). And it works. Because the characters are strong and complex enough to stand on their own. You could tell a story of the three friends walking around in the forest and it would still be interesting…oh wait scratch that. But you get the point. Additional characters don’t further your plot, they don’t enhance the intensity of the story. They are cunning devise to try to avoid to deal with the main protagonist.

So if you are writing a sequel try the following. You are only allowed to replace the characters that died or disappeared in the original story and add one additional character. Like in Chamber of Secrets or in Prisoner Of Azkaban where you have Lockhart who is replaced by Lupin, Tom Riddle who is replaced by Wormtail and the one we want to add is Serius Black. No that is strong writing. To be able to trust your characters beyond explosion and action scenes and to be able to explore them even in the silent moments, where there is no distraction.

WHAT WE’VE LEARNED

There are two reasons why people come back to see more. The story and the characters. You can make up the most hideous things (like a time-traveling necklace), as long as you stay true to the story and the character you created in the first place. People want to see something new, sure. But when they let their imagination flow, they don’t come up with new interesting side character. They make up stories of who is going to pair up with whom. They stay within the boundaries of the world you created. And so should you!

Because as I said. Sequels are awesome. If they are done right!

Radio

The Power Of The Anti-Bathos

THE BATHOS

I recently came across a very good video essay describing the overuse of bathos in modern Hollywood blockbusters. I highly recommend checking it out and then coming back to this article.
If you don’t want to waste your monthly data volume however, I will summ it up quickly.

Bathos is, when you break the emotion of a scene with a contradictory emotion for comedic purposes.
We’ve all seen it. We are in the middle of an epic scene, everybody is pumped, and then…there is a joke. Someone says something trivial, something that completely breaks the tension…for a laugh.

This type of comedy, though very effective, often comes at great cost. The dramatic feel of the moment. Everything the scene has build up to just gets wiped clean and we start again from square one.

In most movies it actually seems like the creators  have gotten ashamed of genuine emotions. Nothing can be simply epic, romantic or sad anymore. Everything has to be delivered with a wink. And though I definitely agree, that every art should include a healthy amount of self-irony, the bathos has kind of taken over of late.

THE POWER OF THE ANTI-BATHOS

But I’m not here to denigrate the bathos. I actually want to talk about a different approach. Its a concept that I very much adore and love. All my favorite movie use it. It’s something I like to call the Anti-Bathos.

Pirates Of The Caribbean is based on a Disney Ride. It’s a stupid, money-making idea. But instead of making a movie that is self aware of it’s pointless origins and winks at the audience a lot, Ted Elliott, Terry Rosso and co. started one of the most successful franchises in modern movie history. And not because its a huge Disney Production, but because they approached the story, the characters and the ,base-material‘ with genuine care and honesty. All the protagonists motives are clear as day, the decisions are difficult and if they use bathos (and yes they do) it underlines the personality of the characters.

SO WHAT’S IT ALL ABOUT?

So what do I mean by Anti-Bathos? Well, basically it’s when you take something absurd, something stupid or trivial and approach it from a very serious angle. So no matter how strange the story is you’re trying to tell, you always take your protagonists seriously. You care for their desires and you challenge them with real threats (within the rules of their world).

Now they could have started PotC with a funny montage of drunken Captain Jack Sparrow fighting, or with an epic ,ride-like‘ pan across the whole Caribbean. But they decided to introduce us to the world with a very moody scene. Elizabeth Swan (our main-protagonist) stands on a ship that sails through the foggy ocean. She is singing a tiny, little song, a song that was a loud chanty in the original ride. It’s a genuine approach to the pirates lore. There is no funny business. Not yet. The first written joke actually appears way beyond the 10 min mark. And it gets funny and it gets epic, but the two never battle for the same spot.

,MODERN‘ ANTI-BATHOS

There are a lot of movies, that successfully use the Anti-Bathos. A man with scissors for hands is a stupid concept. A panda learning Kung-Fu could be discarded as outrageous. And yes, a teen-age boy in tights swinging through New York isn’t the most grounded idea either. And still they all approached their characters with true passion. They took their protagonist (and therefor their audiences) desires seriously. Thats why Edward Scissorhands, Kung Fu Panda and Spider-Man are extremely immersive movies.

MASTER OF BOTH BATHOSES

But if you want to see the Anti-Bathos in its best form you have to watch ,dying‚. The YouTube success by former Viner Evan Breen aka LA Turtle. It’s a ten minute conversation of a family (all members are played by Breen himself) and it gets intense quickly. The conversation is as stupid as it can get. But with Breen’s acting, the on-point editing and the epic music, the viewer gets sucked into the families struggles immediately. The best part about it though: Breen uses Bathos…a LOT. Almost every major joke is based on the bathos. But instead of using it to exit a scene or to shy away from an emotion, he uses it to bring us to the next level of intensity. Every time he breaks the scene with bathos he re-enters it with even more pathos. This way we never get thrown out as a viewer, but instead are kept in the world of the video.

So next time you watch a movie that is both epic and funny and doesn’t sacrifice one for the other, think of the screenwriter. Because this is not lazy screenwriting. It’s the Anti-Bathos. And if it works, you are in for a ride!

Ruhe

Just don’t do it – Eine Ode ans Nichtstun

JUST DO IT

Just Do It. Das Motto einer Generation. Und wieso nicht? Es steht ja alles bereit. Man braucht nur die Hände auszustrecken und hat alle Mittel zur Verfügung.

Als ich nach Jericho gefahren bin, habe ich zum Beispiel ganz bewusst keine technischen Geräte mitgenommen. Ich wollte mich nicht ablenken lassen und am Ende nur Filme im Hotel gucken. Ich wollte rausgehen und Dinge sehen. Mit meinen eigenen Augen wahrnehmen. Das einzige, was ich also dabei hatte, war mein Handy. Und als mich nach vier Tagen doch der Drang nach kreativem Ausgleich überkam, habe ich einfach angefangen, kleine Filmchen mit dem Telefon zu drehen. In iMovie geschnitten, mit GarageBand die Musik gemacht, auf Instagram hochgeladen. Und klar, es geht. Also – ,Just do it‘?

SCHAUSPIELEN HEIßT WARTEN

Als Schauspieler sieht das etwas anders aus. Meist wird man als letztes ans Set geholt und als erstes zurück gebracht. Und was in der Zeit dazwischen passiert, ist nur zu einem wirklich kleinen Teil schauspielern. Während die Beleuchter leuchten und die Bühne baut wartet man als Schauspieler. Erst wenn alles eingerichtet, eingeleuchtet und verkabelt ist, kommt man zum spielen. Und da die meisten Szenen im deutschen Fernsehen eine Länge von maximal 2min haben, ist nach besagten zwei Minuten auch alles schon wieder vorbei. Dann heißt es erneut warten.

Somit habe ich mich recht früh daran gewöhnt, lange Zeit ,nichts‘ zu tun.
Und das ist enorm wichtig. Denn wenn man am Set nicht lernt abzuschalten, nervt man nicht nur die Teamkollegen, sondern verschwendet auch einen Haufen Energie, den man in späteren Szenen brauchen wird.

So schön ,Just Do It‘ also klingt, als Schauspieler tut man die meiste Zeit eigentlich gar nichts.

ÜBERWINDUNG

Natürlich ist mir bewusst, dass das Motto des „einfach-tuns“ einen dazu bringen soll, über den eigenen Schatten zu springen. Seine Grenzen zu erforschen und die Dinge nicht immer auf morgen zu verschieben. Und da bin ich auch voll im Einklang.
Als Kreativschaffender übt die ,Just Do It‘-Haltung allerdings auch einen Druck aus. Denn während ich sowieso die Tendenz habe, mir meine Pausen mit eigenen Projekten zu füllen, hämmert mir ,Just Do It‘ in jeder freien Sekunde ein schlechtes Gewissen ein. >>Einfach im Cafe sitzen und Menschen beobachten ist nicht. Du musst was tun, Lenny. Du musst jetzt anfangen.<<
Überhäuft von unendlich vielen Möglichkeiten. Egal was – Hauptsache was tun.

Dabei ist im Cafe sitzen meistens viel hilfreicher als alles andere.

LOSLASSEN

Im Grunde geht es darum, loszulassen. Sich nicht in den Strudel der Geschäftigkeit zu werfen. Auf die Frage ,Was machst du Samstag?‘ ganz entspannt ,Nichts!‘ antworten zu können und dabei nicht zu denken ,Fuck… ich hab kein Leben‘, sondern ,Fuck… hab ich ein Leben!‘

Also sage ich mir immer wieder – just don’t do it. Das wird sich sowieso von alleine lösen. Das wird schon gut gehen. Du hast keinen Bock darauf? Dann lass es. Mach etwas, das dich glücklich macht. Mach andere Menschen glücklich. Aber dreimal im Kreis rennen, nur um am Ende zu sagen, dass du was getan hast, ist Schwachsinn. Energieverschwendung. Und es verschleiert den Blick auf das Leben. Auf die Momente auf die es ankommt. Klar können wir diese Momente mittlerweile mit der Kamera in unserer Hosentasche festhalten. Aber ist das das Gleiche wie wirklich da zu sein?

Einfach nichts tun, Freiraum schaffen und beobachten, hat mich schon durch einige brenzlige Situationen gebracht. Denn wenn ich ehrlich bin, bin ich am besten wenn ich gar nichts tue.

JUST DON’T DO IT

Zeit also für ein neues Motto. Während es für Spielberg und co. noch eine große Herausforderung war, einen Film ,einfach‘ zu drehen, haben wir mittlerweile alles was wir brauchen. Wir müssen nicht das letzte Taschengeld für einen neuen Super8 Film zusammenkratzen. Wir haben Handy, Computer und vor allem das Internet! Für uns besteht die Herausforderung darin, manche Filme einfach nicht zu drehen. Manche Dinge einfach nicht zu tun. Zu warten, zu beobachten. Effizient mit den Mitteln umzugehen, die uns die ,Just-Do-It‘-Generation gegeben hat. Um dann, wenn der Moment kommt, loszulegen.

Denn wenn man zu viel zu tut hat, verpasst man den Moment der das Leben für immer ändern wird…

 

 

Roots

Jericho

In aller Welt

Als Schauspieler bin ich durch meine Arbeit schon viel durch die Gegend gereist. Für kürzere oder längere Zeit habe ich schon in einigen deutschen Städten gewohnt und einige Male im Ausland gedreht.
Letztens hatte ich dann tatsächlich das Glück, eine Woche in Palästina drehen zu dürfen.
Genauer gesagt in Jericho.
Man sagt, dass Jericho die älteste Stadt der Welt ist. Und auch wenn das wissenschaftlich noch umstritten ist, konnte ich mir Mauern anschauen, die vor über 10 Tausend Jahren gebaut wurden.

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Warm

Mit 250 m unterm Meeresspiegel ist Jericho noch dazu die tiefstgelegenste Stadt der Welt und dementsprechend warm. Durchschnittliche 37°C bei wolkenlosem Himmel sind natürlich nichts im Vergleich zu den 45°C-50°C die es dort im Juli oder August hat, für uns allerdings trotzdem eine deutliche Umstellung. Grundlegender Zustand: Mir ist warm. Da Jericho nicht weit vom tatsächlich tiefsten Punkt der Erde entfernt ist, und zwar dem Toten Meer, habe ich mit einem Kollegen natürlich sofort einen Abstecher dahin gemacht. Und ja, man kann einfach auf dem Wasser schweben. Nächste Stufe: übers Wasser laufen.

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Long time ago in…

Und tatsächlich ist das nicht so weit hergeholt. Die gesamte Umgebung um Jericho ist im Grunde die Geburtsstädte des Christentums. Mit Bethlehem, Nazareth und Jerusalem gleich um die Ecke, stolpert man von einem Wegmarker Jesus‘ zum nächsten. So war ich unter anderem auf dem Mount of Temptation auf dem Jesus angeblich 40 Tage lang den Versuchungen des Teufels widerstanden hat. Darauf hin wurde in den Berg ein Kloster gehauen. Sehr beeindruckend.
Auch war ich in der Monastery of Saint Mark in Jerusalem unter der scheinbar das Last Supper stattgefunden haben soll, am Geburtsort von Virgin Mary und auf der Via Dolorosa auf der Jesus seinen Kreuzweg gegangen ist. Alles Orte, auf die ich mehr oder weniger zufällig gestoßen bin.
Doch nicht nur das Christentum hat hier sein Lager aufgeschlagen. Die Klagemauer ist nicht weit entfernt von der al-Aqsa-Mosche und so tummeln sich orthodoxe Juden und Muslime in den kleinen Straßen Jerusalems. Ein überwältigender Anblick, besonders, da ich am ersten Freitag des Ramadans in Jerusalem war und 250 Tausend Musilme zum Beten in die Stadt geströmt sind.

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People

Doch was ich am meisten daran liebe, an neuen Orten zu drehen, ist, dass ich die Städte und Länder auf ganz spezielle Weise kennenlernen kann. Ich muss nicht als Tourist durch die Straßen wandern, da ich zum arbeiten da bin. Meistens steige ich aus dem Zug, Flugzeug oder Auto und mache mir sofort Gedanken, wie ich hier am besten Leben kann. Das heißt dann im Grunde Augen aufhalten nach Supermarkt, Café, Restaurant. Sofort in den Alltag der Menschen hineingeworfen zu werden, gibt einem ein vollkommen neues Verständnis für die jeweilige Mentalität.
Wenn man dann noch die Möglichkeit bekommt, mit einem Team vor Ort zu arbeiten, ist es eigentlich immer eine wunderbare Erfahrung. Das Team aus Palästina, das uns geholfen hat unseren Film zu drehen, war da absolut zuvorkommend.

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Freiheit

Ich bin auf jeden Fall unheimlich dankbar über diese enorme Freiheit, die mein Beruf mir gibt.
Physische Beweglichkeit bringt meistens auch eine mentale Beweglichkeit mit sich. So kann ich mir Gedanken um Filme, Musik und Kunst machen. Zu sehen, dass sich aus politischen Gründen einzelne Gesellschaftsgruppen nicht frei bewegen können, war für mich sehr unangenehm. Dass unser Team dennoch eine enorme positive Energie hatte und diese dafür verwendet, Filme zu drehen, war für mich außerordentlich beeindruckend und schön!

Radio

The Dark Knight Rises – Life In The Public Eye

YOUR FRIENDLY NEIGHBORHOOD SPIDERMAN

I recently saw a great review of Sam Raimis Spiderman & Spiderman II. In it there was an interesting part about the people of New York City and how they help Spiderman to defeat the bad guy.

The first movie has a great scene in which some New Yorkers throw stuff at the Green Goblin, while he is trying to make Spidey decide between a group of children and Mary Jane. In the second one, the passengers on the subway are helping Peter after his fight with Doc Ock. These are crucial scenes. Peter Parker faces the decision of protecting his own life or fulfilling his duty as a super hero. It highlights, that Spiderman might have superpowers, but that he is still just a regular person from New York. He is the one in the suit, but when there’s trouble in the city, everybody helps out as good as they can. Sam Raimi even highlights that focus to the citizens when he cuts in snippets of civilians talking about the Spiderman. The city, the citizens and the superhero are one.

THE HEROES GOTHAM DESERVES

Now The Dark Knight Rises has a different approach. In Christopher Nolans Batman franchise Gotham has become a metaphor for New York City. It looks almost the same. From the structure of the buildings to the uniforms of the police. So it could very well be set in New York, New York with all its sights and people. But instead of exploring the citizens of the city, The Dark Knight Rises takes a closer look at the public figures. Almost every mayor character in the story is exposed to the public eye. The movie even starts with a podium scene and its not the last time a character talks to a group of people. We have a clear separation between the citizens and the heroes. Sure there are criminals and cops and bankers and party guests, but they are all treated as social groups rather then individuals. The only characters having a clear voice, are the ones you would consider as persons of the public. And how they deal with that is shown throughout the movie.

HIDING IN CLEAR SIGHT

When I first saw The Dark Knight Rises it took me a while to figure out that Bane was actually played by Tom Hardy. The physical transformation he went through and his brilliant acting completely overshadowed his own personality. He became something else. Something unrecognizable. Tom Hardy is not only known for his many roles where he is forced to wear a mask, but also for his transforming acting style. Now the same goes for Gary Oldman. Considering his role as Sirius in the Harry Potter movies you wouldn’t connect that performance to the guy playing Commissioner Gordon. And when you realize that its the same guy, you are simultaneous impressed and scared. Both actors completely loose themselves in their characters, so that they become one with them.
Interestingly thats exactly what their characters do in the movie as well. Bane is a gentle guy, forced to wear a mask. Misjudged by his physic he completely immerses himself into the role of the brute. It takes the movie quite some time to unravel the soft mystery behind the man with the mask. Similar to Commissioner Gordon, who on the first look seems like an everyday family-guy. Its only when we take a closer look, that we realize, that he his one of Batman’s closest allies and the only reason, that Gotham is safe. The private life gets completely repressed by the public appearance.

OPENING UP

Of course that isn’t the only way of dealing with a public life. Hiding your true personality behind a multi-layered character can be very difficult and even might be considered dangerous. You can lose yourself in the many lives you don’t really live.
The opposite approach can be seen in the form of Joseph Gordon-Levitts character in the movie. A gentle and kind young man, who started as an orphan, became a police officer and then got promoted to detective by Commissioner Gordon. But no matter what uniform you put him in, he always stays the same man. His private personality is always up front. The same could go for Joseph Gordon-Levitt himself. Despite being a very talented and versatile actor, you are always able to see Joseph Gordon Levitt behind the costumes and masks. You can admire his passion and craft, but you nearly never mistake him for someone else. No matter if he portraits a french high-wire artist, a bold cancer patient or if he is hosting his own show hit-record you always get his own personal take on the matter. Joseph is always present in the moment and that makes his work so relatable and intriguing.

ALTER EGO

Obviously the alter-ego as portrait by Christian Bales Batman, Anne Hathaways Catwoman or Marion Cotillards Miranda is also a common technique of dealing with the separation of the private and the public life. To create an alternative persona that can act on its own might come in handy when having a lot of public appearances. Funnily enough that approach can be seen on Christian Bale himself, as he is often completely transforming himself in order to play different characters, but is still always notable in the shot. Its like Batman and Bruce Wayne. Nobody knows that they are the same person, but if you count to ten you might be able to figure it out. Its difficult to switch between these two personality types because they easily can get mixed up. The are still influencing each other. So when Bruce Wayne is frustrated, Batman is weak. No matter how hard you try to divide them, they are always together. But an alter ego is also a shield. Catwoman is the only thing that can keep Selina save. And Miranda couldn’t achieve her goals if she didn’t pretend to be someone else.

TWO-FACED

And although he is rarely in this movie, I have to talk about Harvey Dent aka Two Face aka Aaron Eckhart. The split personality. To switch between a public and private persona in a matter of seconds is more then difficult. And to show the two sides as one without neglecting either one of them requires a lot of strength and a lot of training. You openly accept, that you are living two lives. And you don’t hide either one of them. If the situation requires a public opinion, you share it, without holding back your private point of view. And if you are in private, your public version never really leaves you. No shield, no hiding. Everything is exposed. It’s honest and kind of dangerous.

LIFE IN THE PUBLIC EYE

Now, as an actor I am confronted with the decision of how to deal with public events. Heck, we all are. Whether it is going to the supermarket or walking the red carpet. You can hide, you can protect, you can open up. And if you don’t know which way you want to deal with that, take a closer look at The Dark Knight Rises. It offers a variety of options to choose from.

…Unless you can be Morgan Freeman. Then be Morgan Freeman.

Rausch

BABYMETAL – Frechheit & Kunst

Ich habe einen sehr durchmischten Musikgeschmack. Von Neil Young bis Griz ist dort ziemlich viel untergebracht. Ich liebe Funk, Electro, Electrofunk, Glitchfunk, Glitch, Pop, Pop-Rock, Rock, Rock’n’Roll, Reggae, Rave, Rap, Indie, Folk, Filmmusik, … ihr bekommt einen Eindruck. Und obwohl ich ein sehr offenes Ohr hab, was Musik angeht, gibt es ja selbstverständlich Songs, die mir gefallen, und andere, die mir nicht gefallen. Manchmal sogar vom selben Künstler. Also was unterscheidet einen guten Song von einem schlechten Song? Denn wenn es nicht am Genre liegt, muss es doch etwas anderes geben, dass meine Lieblingssongs verbindet.

So viel Kunst

Neulich war ich auf einem Bandcontest. Jede Band 30min. Wenn es einem gefällt, kann man 30min lang feiern. Wenn nicht, ist es nach 30min ja auch schon wieder vorbei. Die Auftritte waren ziemlich bunt gemischt. Von Schülerbands bis zur Rentnergruppe schien alles vertreten zu sein. Als ich mich dann dabei ertappte, bei einer funkingen Ska-Gruppe still zu stehen und bei einer alten Hardrock-Band abzugehen, fragte ich mich erneut, was einen guten Auftritt ausmacht. Für mich war das die ultimative Chance herauszufinden, was mein Hauptmerkmal für gute Musik ist. Und tatsächlich hatte ich eine Eingebung.

Ein paar Tage später war ich dann mit einem Freund in Kong: Skull Island. Ja, den konnten wir uns einfach nicht entgehen lassen. Wir haben uns ausnahmslos, maßlos amüsiert. Von der ersten Blende bis zum letzten Namen im Abspann saßen wir wie festgenagelt auf unseren Plätzen. Abgesehen von Tom Hiddlestons Gasmasken-Szene. Da wären wir am liebsten jubelnd aufgesprungen. Und ich habe festgestellt, dass mein neues Qualitätsmerkmal scheinbar auch auf Filme zutrifft.

Wenig später: Kunsthalle Hamburg. Die Poesie der Venezianischen Malerei. Wunderbare Gemälde von Paris Bordone, Palma il Vecchio, Lorenzo Lotto und Tizian. Alles handwerkliche Meisterwerke, keine Frage. Aber wann bleibe ich vor einem Gemälde stehen, und wann gehe ich einfach daran vorbei?
Richtig, aus demselben Grund, aus dem ich unberührt einer Ska-Gruppe lausche und mich bei Kong nicht mehr einkriegen kann.

BABYMETAL

Ein gutes Beispiel für meine neue These ist Babymetal. Meine größte musikalische Faszination.
Für alle, die noch nicht vom Internet ernährt werden, hier die Facts: Babymetal  ist eine japanische Idol-Metal Gruppe. Also eine Mischung aus überdrehtem Japan-Pop und düsterem Metal. Frontsängerinnen sind drei Schulmädchen um die 15, die singen und tanzen, im Hintergrund headbangen die Musiker.
Und let me tell you: Es ist genial!
Trotz meiner ausschweifenden Musik Erfahrung, muss ich gestehen, dass J-Pop und Metal die beiden Musikrichtungen waren, um die ich unbewusst einen großen Bogen gemacht habe. Ich hatte keinen Zugang.
Doch in der Kombination ist auf einmal etwas entstanden, das mich interessiert hat. Etwas das so unfassbar frech ist. Nicht nur, weil es zwei absolute Gegensätze in Verbindung bringt, sondern weil das auch noch extrem gut gemacht ist. Es wirkt fast wie selbstverständlich. Als wäre es das Natürlichste auf der Welt, dass diese beiden Dinge zusammengehören. Und seit Babymetal tun sie das.

Was für eine Frechheit

Die Antwort auf die Frage lautet also: Frechheit.
Das Element, das meine Faszination verbindet. Die Frage, die stetig eine Antwort sucht: Ist es frech?
Dinge zu kombinieren, die eigentlich nicht zusammengehören, ist eine Art von Frechheit. In fact, der meiste Fortschritt entsteht dadurch, dass Dinge verbunden werden. Jede neue Idee ergibt sich aus alten Gedanken. Sei es die Kombination eines Stocks und eines Steins, um einen Hammer zu erschaffen oder die Verbindung einer Kloschüssel mit einer Galerie, um ein Kunstwerk entstehen zu lassen. Einfach frech.
Was für einen erstaunlichen Fortschritt wir erlangen würden, wenn man mal so frech wäre, die körperliche und die geistige Medizin zu verbinden.
Ist es frech, hat es unsere Aufmerksamkeit verdient.

Selbstverständlich frech

Doch man darf sich nicht täuschen lassen. Nicht alles was frech scheint, ist wirklich frech. Dinge die offensichtlich frech sind, sind meist nur nachgeplappert. Im Grunde vollkommen der Norm angepasst. Deswegen ist es manchmal schwer, wirkliche Frechheit zu entdecken. Denn wie bereits bei Babymetal, kann es schnell passieren, dass es ganz normal wirkt, als gehörte diese Frechheit schon immer zu unserem Repertoire. Auf den ersten Blick wirkt Paris Bordones Verkündigung absolut selbstverständlich. Wenn man sich dann aber die Perspektive anschaut, die von einer frontalen, bühnengleichen Draufsicht zu einer rechtszentrierten Flucht morphed, dann ist das ganz schön frech. Und wenn Jordan Vogt-Roberts, der zuvor quasi nur den Independent Film Kings Of Summer gemacht hat, auf einmal den besten Kong-Film aller Zeiten aus dem Ärmel schüttelt, dann ist das frech.

So …

Haltet also die Ohren steif. Vielleicht habt ihr ja auch eine Kategorie nach der ihr unterbewusst entscheidet, ob euch etwas gefällt. Mir hat es auf jeden Fall geholfen, einen Grund für meine Babymetal-Obsession nennen zu können. Und wer weiß, vielleicht bin ich mit diesem Beitrag meinem Traum vom Babymetal-Musikvideo-Dreh auch einen Schritt näher gekommen. Denn das wäre wirklich eine freche Kombination.

Royal

#OscarsSoMoonlit

Same procedure as every year

Of course we set down as a family and watched the Oscars last week. Like we do every year. Its a long night since it starts at around 2am here in Germany, but it’s full of glitter, glamor, movie politics and art.
Although nothing really unexpected happened, it was a great evening. Damien Chazelle won the best director Oscar and became the youngest person ever to receive this honor. Considering his great work for last years Whiplash, that was a very reasonable decision.  Jungle Book was awarded with the award for best special effect and Moonlight was crowned the best movie of the year. Everything the way it should be.

Ah, and then there was the #envelope. A little mix up, that wasn’t of any importance really. Or so I thought. While it happened, I was completely satisfied with the whole commotion. I mean it all worked out perfectly in the end. The next morning I was still completely fine with the events of the last night. But then I read the news. And suddenly it seemed to have become this big thing.
The Oscar Mistake. How the Oscars went wrong etc.

Sure, there was a mix up. Something that wasn’t supposed to happen. You can complain about it, but you can also just leave it. You don’t get upset when a kid forgets its lines at the school play, and although the Oscars are kind of a bigger events, its still the same principle. These things happen. Human errors. No big deal.

With great power comes great responsibilities

But that shouldn’t make us forget about the huge calmness and humanity with wich everyone involved handled the situation. It was a huge opportunity for greatness, and everyone lived up to that. The most impressing performance probably was by LaLaLand Producer Jordan Horowitz who not only was very kind in handing over the award, but also quick and clear enough to solve the whole commotion on stage. Without him it could have turned out pretty differently.

But also Barry Jenkins handled the situation very well. It was a good thing, that he was on stage beforehand, receiving his award for best adapted screenplay. It really seemed like he wanted to get everything of his chest in case he might not be on stage again. And it was a good thing he did, because in all the chaos, there wasn’t much room for long speeches. And they weren’t really necessary either.

In the backstage interviews, the Moonlight Producers were ask if they had prepared anything to say. Of corse they did. But rightfully they decided to go with the flow on this one. Embrace the situation. And it made the whole thing so much better.

Emma Stone said afterwards, that it might have been the craziest moment in Oscar History. But in my opinion it was also the greatest. Every Oscar speech is about humanity, being kind and thanking your closest friends and relatives. And although that is a great thing, in 2017 we got to see all that in action. It was one of the kindest and human situation I’ve ever seen on the Oscars.

#OscarsSoMoonlit

Last years Oscars were a very controversy event. #OscarsSoWhite was the trending Hashtag on Twitter due to the overload on white nominees. But Hollywood listened and Hollywood learned. Say what you want, but this year really was a turn around in that department. There were a record breaking six nominees for black actors and actresses.
Having that in mind it would have been so wrong if LaLaLand would have won best picture. Not because its a ,white movie‘ going against a ,black movie‘ but because its a movie about Hollywood itself vs. a movie about an underestimated minority. Giving the award to LaLaLand would have been a very selfish thing to do for a very stained entertainment business. Giving it to Moonlight on the other hand is a huge sign for change and opportunity. (Ignoring of course, that Moonlight simply might be the better movie.)

I think we all want more diversity in our culture and art. It enhances and enlightens every part of live and therefore we should try our best at creating equal opportunities for everybody.
It might not alway work as smoothly as it should be, but I’m more then certain, that we will get there.

And if LaLaLand handing over the Oscar to Moonlight isn’t a symbol for including black filmmakers in Hollywood, I don’t know what is.

Radio

Nudity in Film – Die Kunst einer Nacktszene

Nacktszenen sind so alt wie Film selber. Und mit Privatsendern wie HBO oder Starz haben sie einen festen Sitz in der modernen Unterhaltung bekommen. Zu Recht. Denn in einer guten Nacktszene kann ein Charakter Schwäche zeigen, Stärke beweisen, sein purstes Äußeres und sein tiefstes Inneres offenbaren. Doch genauso kann eine Nacktszene auch platt und inhaltslos sein und einen ganzen Film kaputt machen.

Nackte Schauspieler

Über Jahre haben wir gelernt, uns in Charaktere hineinzuversetzen. Und damit meine ich nicht nur die Schauspieler, sondern auch die Zuschauer. Wir wissen alle, dass Leonardo DiCaprio ein erfolgreicher Schauspieler ist. Wenn er aber einen armen Schlucker spielt, blenden wir diese Information aus. Jede Geste wird nun als Geste des Charakters abgebucht. Und im besten Fall vergessen wir den Schauspieler hinter der Performance.
Doch es gibt auch immer wieder Momente, in denen man aus der Kinoerfahrung in die echte Welt geschmissen wird. Im schauspielerischen Bereich liegt das meistens daran, dass ein Darsteller ängstlich oder egoistisch spielt. Fast sofort wird die Verbindung zum Charakter gebrochen, denn alles auf der Leinwand wird nun von den echten Emotionen des Schauspielers diktiert.
Besonders häufig kommt das natürlich in Nacktszenen vor. Denn während man als Schauspieler gelernt hat, sein tiefstes Innere vor einem fast fremden Publikum preiszugeben, ist eine Nacktszene immer noch das Verletzlichste, was man tun kann. Kein Wunder also, dass hier Angst und Egoismus eine große Rolle spielen.

Übrigens gilt das für Nicht-Nacktszenen genauso. Denn während Emilia Clarke nach ihrer vorherigen Weigerung weitere Nacktszenen zu spielen, doch erneut voll frontal zu sehen ist, hat sich Kit Harrington, der sich für mehr männliche Nacktheit ausgesprochen hat, trotzdem mit einem kleinen Tuch bedecken lassen.

Eine Entscheidung, die der Charakter so nicht getroffen hätte.

Eine Nacktszene schreiben

Es gilt also … wenn eine Nacktszene nicht aus der Handlung oder dem Charakter entspringt, wirkt sie im besten Fall fehlplatziert. Oft sind natürlich die Zuschauerzahlen ein ausschlaggebender Faktor dafür, dass sich Thor das T-Shirt auszieht. Doch wenn man Nacktheit nutzt, um die Spannung zu halten oder zu schocken, dann ist das schlichtweg lazy screenwriting und damit sollte man sich als Zuschauer nicht zufriedengeben.

Bei einer Nacktszene gelten dieselben Regeln wie bei Action & Comedy auch. Wenn sie nicht charaktermotiviert sind, haben sie in einem Film nichts zu suchen. Nichts ist nerviger, als ein Charakter der unerklärt auf einmal kämpfen kann. Und wenn ein Charakter einen Witz macht, der nicht zu seinem Repertoire gehört, kann man nur halb so doll darüber lachen.

Richtig eingesetzt hat man während einer Nacktszene aber die Möglichkeit, seine Charaktere in eine Situation zu führen, die ein ganz neues Potenzial entfaltet. Denn egal wie offen man ist, Nacktsein ist verletzlich. Wenn Beowulf also nackt gegen Grendel kämpft, beweist er damit eine enorme Stärke. Und wenn sich Scarlett Johansson in Under The Skin auszieht, dann zeigt das die Neugier und das Vertrauen, das ihr Charakter entwickelt hat. Und auf einmal wird die Nacktheit zur Nebensache.

Ein Körper ist ein Körper

Wenn man erst einmal jeglichen Egoismus und jegliche Angst aus einer Nacktszene nimmt, jede Studioentscheidung fallenlässt, und darauf hört, ob die Charaktere in der Situation nackt sein wollen oder nicht, verliert das Ganze an Bedeutung. Ein Körper ist ein Körper. So schön und natürlich wie er eben ist. Man kann mit ihm genauso viel ausdrücken wie mit einem Lächeln, einer Kamerafahrt oder einer Pause. Denn im Vordergrund steht jetzt die Emotion. So wie es in jeder guten Szene sein sollte.

 

Rausch

Dr. Strange – Lost in the multiverse

Watching Dr. Strange is a RedBugHomie family-event we just couldn’t miss. So on Monday we got together to witness Benedict Cumberbatch’s first steps into the Marvel Universe.

The fascinating concept of altering time and matter, to visit parallel dimensions and to jump from one universes to another has left us intrigued. To really go beyond the physical challenges of the everyday superhero Dr. Strange seems to have the ultimate power. But that also has it’s downsides. Manly story-wise. Everything is shifted into perspective. And if you have a superhero that can alter the reality at will, everyday struggles get pretty insignificant. Some of us really got a kick out of that, since you could completely focus on the action, for others the story fell kind of flat because of it.

But despite our different opinions the movie left me thinking.

Due to my job as an actor and creative creator my whole life is so flexible and free that I have a lot of control over what to do next. Every morning I get out of bed and see myself confronted with thousands of possibilities. Of course it doesn’t stop at my daily routine. My whole life is as adaptable as the new MacBook Pro… The only one deciding is me. And that is something I am extremely grateful for.

And yes, in a world where most things are pretty much fixed, that actually feels like a superpower.

Although like every good superpower there is also a catch. Because as long as I don’t decide what to do, every possibility is just hypothetical. I get overloaded with options and get paralyzed. I feel like I can do everything, yet I do nothing. It’s easy to get lost in the multiverse, because that hypothetical space is extremely comfortable.

It’s nice to daydream about all the millions of options. To stay with one of them for a few minutes only to cast it aside and go to the next. So I’m floating around in the multiverse of endless possibilities, not partaking in reality.

And if I have to make a decision, I suddenly get scared. Because I don’t only see the option I choose, I also see the thousands of options that get canceled. And that is fucking scary.

I think everybody knows that feeling, because everybody had to make a major decision at some point in their life. Deal or no deal. Something that changes the life forever.
So in a way we are all like Dr. Strange. Having access to millions of altering universes. All we have to do is to choose the one we want to live in.

Because in the end, one actual reality is worth more than a thousand hypothetical ones.

So Dr. Strange might come across as the weirdest, most extreme superhero of them all. But in fact his superpowers might be closer to our everyday life then anything else.

Radio

Aufmerksamkeit

Zur Zeit ist einer der größten struggle in der RedBug-Family die Frage der Aufmerksamkeit. Wie schafft man es von einer großen Gruppe gehört zu werden? Und was muss man dafür tun?

Der Wunsch nach mehr Aufmerksamkeit von Außen hat dabei nichts mit Eitelkeit zu tun. Es ist ganz einfach so, dass wie in den meisten Firmen auch unsere Arbeit erst wirklich funktioniert, wenn sie konsumiert wird. Ohne ein gewisses Maß an Feedback wird diese Arbeit extrem kompliziert und manchmal sogar unmöglich. Und wir haben einige Projekte, die erst beginnen können, wenn eine gewisse Community existiert. Also müssen wir Aufmerksamkeit generieren.

Kompatibel sein

Leider ist es ein ungeschriebenes Gesetz, dass Quantität nicht immer mit Qualität einher geht. Wie oft schon hat man Schauspieler, Autoren oder Musiker beobachtet, die mit ihrem Erfolg eine ganze Menge kreativen Freiheit abgeben mussten.
Das gilt natürlich genauso für die Community. Je größer die Fanbase, desto ungenauer die Zielgruppe.
Um mehr Leute zu erreichen muss man halt den Radius erhöhen. Gleichzeitig sind dadurch die Projekte aber auch nicht mehr so punktgenau, wie man sie gerne hätte. Als Künstler fühlt sich das natürlich wie der Todesstoß an. Kreativer Kompromiss? Niemals. Alles muss so sein wie ich das will.
Doch mit dieser Einstellung landet man ganz schnell in der Schiene des missverstandenen Künstlers, der ein einsames Leben führt und wenn überhaupt erst nach dem Tod Aufmerksamkeit erlangt.
Für uns keine Option. Also doch der Kompromiss.

Erfolg über Nacht

Fast schon mit Genugtuung beobachtet man ja heutzutage aufsteigende Stars. Denn jeder weiß, es ist nur eine Frage der Zeit, bis das instabile Gerüst zusammenbrechen wird. Natürlich träumt jeder von einem Erfolg über Nacht, aber ein solcher Aufstieg hat auch seine Nachteile. Urplötzlich wird die Community von einer eingeschworenen Fangemeinde zu einem Trend. Leute von überall kommen herbei, springen auf den Zug mit auf. Und das ist auch eigentlich nichts Schlechtes. Das Problem ist nur, dass damit auch die Qualität sinkt. Damit meine ich jetzt nicht die subjektive Qualität, sondern einfach die Schnittmenge zwischen dem was der Künstler vermitteln will und dem was bei dem jeweiligen Zuschauer ankommt.

Während man in einer kleinen Community noch ganz deutlich seine Werte und Vorstellungen vermitteln kann, wird es bei einer großen Gruppe deutlich schwieriger. Schon allein, weil sich die meisten gar nicht so intensiv mit dem Projekt beschäftigen werden.

Neulich auf dem Flume-Konzert, der einen riesigen Hype erlebt hat, habe ich das erneut feststellen müssen. Flume selber war genial. Die Musik war toll, die Visual erste Sahne und die Location ideal. Nur die Leute waren merkwürdig. Einige konnten scheinbar gar nichts mit der Musik anfangen und standen überfordert herum, wieder andere haben versucht das zu kompensieren und sind auf der anderen Seite des Spektrums rausgekommen. Nichts von beiden hatte ansatzweise etwas mit Flumes Musik und Style zu tun. Und das hat das Konzert wirklich gestört.
Aber was tuen, wenn man plötzlich über Nacht berühmt wird? Wenn die Community drastisch anwächst und enorm an jener Qualität verliert?

Aussortieren

Gerade in letzter Zeit habe ich öfters beobachtet, wie Firmen oder Personen in ihrer Fanbase aufgeräumt haben. Durch den großen und vor allem schnellen Erfolg haben sie einige Anhänger bekommen, die nicht der eigentlichen Zielgruppe entsprechen und nicht den Werten gerecht werden für die die Marke steht. Airbnb zum Beispiel hat vor kurzem eine Erklärung veröffentlicht, die jeder Nutzer unterzeichnen muss um die Plattform weiter zu nutzen. Man bekennt sich damit zu einem respektvollen Umgang untereinander, egal welche geschlechtlichen, religiösen oder ethnischen Unterschiede man aufweist. Ein sehr mutiger Schritt, der Airbnb ganz klar einige Nutzer kosten wird. Nicht alle haben darauf begeistert reagiert. Aber das hat Airbnb auch sicher nicht erwartet. Ihnen ist schlichtweg aufgefallen, dass ihre Community nicht ihren eigenen Ansprüchen entspricht. Und da sie einen Status erreicht haben, mit dem sie es sich leisten können, ein paar Nutzer zu verlieren, haben sie diesen wichtigen Schritt gemacht.

Auch einzelne Personen haben es gerade zu den Präsidentschaftswahlen ähnlich gehandhabt. Sowohl Casey Neistat als auch Jared Leto haben öffentlich bekannt gegeben, dass sie Hilary Clinton wählen werden. Das hat ihnen alles andere als Unterstützung gebracht. Die meisten Kommentare waren von Hass getränkt, und beide mussten danach auf viele wichtige Supporter verzichten. Aber will man denn wirklich support von jemandem, der ebenso Trump unterstützt? Eigentlich doch nicht. Also muss ab und an aussortiert werden.

Alternativ

Die Frage ist nur, kann man auch ohne diese Leute? Wenn man nur Zuhörer zulässt, die die selben Ansichten in jeglichen Punkten haben, wird die Gruppe an Zuhören sehr schnell sehr klein. Im Grunde wären wir dann zu fünft. Und selbst da gibt es selbstverständlich Meinungsverschiedenheiten.
Muss man also zwangsläufig Abstriche in der Qualität seiner Community machen, wenn man eine gewisse Reichweite erzielen will?

Es scheint noch einen weiteren Weg zu geben, der zumindest von Außen für einige zu funktionieren scheint. Es ist der langsame Aufstieg. Ein extrem kraftraubender Vorgang. Doch wenn der Erfolg so schleichend kommt, dass man jeden Schritt beobachten kann, gerät die Situation nur selten außer Kontrolle. Man kann immer wieder kleine Justierungen machen. So bleibt einem das drastische Aussortieren zum späteren Zeitpunkt erspart.

Selbst in der Höhle der Löwen investieren die Löwen manchmal nicht, weil sie wissen, dass so ein Kickstart der Firma nicht gut tuen würde. Sie wissen, dass es besser für das Produkt ist, wenn es langsam wächst. Langsam aber stetig. Und dann kann man nur hoffen, dass einem unterwegs nicht der Atem ausgeht.

Also

Wir RedBugx sind uns noch nicht ganz einig, was für uns der beste Weg ist. Aber eins versuchen wir nie zu vergessen. Wir bleiben immer in control. Selbst wenn man ab und zu aussortieren muss, oder es einem vorkommt, als würde man die gewünschte Aufmerksamkeit nie erreichen. All das sind Entscheidungen die wir treffen. Und wir können die Entscheidung jeder Zeit ändern, solange wir die Kontrolle bewahren.