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The Dark Knight Rises – Life In The Public Eye


I recently saw a great review of Sam Raimis Spiderman & Spiderman II. In it there was an interesting part about the people of New York City and how they help Spiderman to defeat the bad guy.

The first movie has a great scene in which some New Yorkers throw stuff at the Green Goblin, while he is trying to make Spidey decide between a group of children and Mary Jane. In the second one, the passengers on the subway are helping Peter after his fight with Doc Ock. These are crucial scenes. Peter Parker faces the decision of protecting his own life or fulfilling his duty as a super hero. It highlights, that Spiderman might have superpowers, but that he is still just a regular person from New York. He is the one in the suit, but when there’s trouble in the city, everybody helps out as good as they can. Sam Raimi even highlights that focus to the citizens when he cuts in snippets of civilians talking about the Spiderman. The city, the citizens and the superhero are one.


Now The Dark Knight Rises has a different approach. In Christopher Nolans Batman franchise Gotham has become a metaphor for New York City. It looks almost the same. From the structure of the buildings to the uniforms of the police. So it could very well be set in New York, New York with all its sights and people. But instead of exploring the citizens of the city, The Dark Knight Rises takes a closer look at the public figures. Almost every mayor character in the story is exposed to the public eye. The movie even starts with a podium scene and its not the last time a character talks to a group of people. We have a clear separation between the citizens and the heroes. Sure there are criminals and cops and bankers and party guests, but they are all treated as social groups rather then individuals. The only characters having a clear voice, are the ones you would consider as persons of the public. And how they deal with that is shown throughout the movie.


When I first saw The Dark Knight Rises it took me a while to figure out that Bane was actually played by Tom Hardy. The physical transformation he went through and his brilliant acting completely overshadowed his own personality. He became something else. Something unrecognizable. Tom Hardy is not only known for his many roles where he is forced to wear a mask, but also for his transforming acting style. Now the same goes for Gary Oldman. Considering his role as Sirius in the Harry Potter movies you wouldn’t connect that performance to the guy playing Commissioner Gordon. And when you realize that its the same guy, you are simultaneous impressed and scared. Both actors completely loose themselves in their characters, so that they become one with them.
Interestingly thats exactly what their characters do in the movie as well. Bane is a gentle guy, forced to wear a mask. Misjudged by his physic he completely immerses himself into the role of the brute. It takes the movie quite some time to unravel the soft mystery behind the man with the mask. Similar to Commissioner Gordon, who on the first look seems like an everyday family-guy. Its only when we take a closer look, that we realize, that he his one of Batman’s closest allies and the only reason, that Gotham is safe. The private life gets completely repressed by the public appearance.


Of course that isn’t the only way of dealing with a public life. Hiding your true personality behind a multi-layered character can be very difficult and even might be considered dangerous. You can lose yourself in the many lives you don’t really live.
The opposite approach can be seen in the form of Joseph Gordon-Levitts character in the movie. A gentle and kind young man, who started as an orphan, became a police officer and then got promoted to detective by Commissioner Gordon. But no matter what uniform you put him in, he always stays the same man. His private personality is always up front. The same could go for Joseph Gordon-Levitt himself. Despite being a very talented and versatile actor, you are always able to see Joseph Gordon Levitt behind the costumes and masks. You can admire his passion and craft, but you nearly never mistake him for someone else. No matter if he portraits a french high-wire artist, a bold cancer patient or if he is hosting his own show hit-record you always get his own personal take on the matter. Joseph is always present in the moment and that makes his work so relatable and intriguing.


Obviously the alter-ego as portrait by Christian Bales Batman, Anne Hathaways Catwoman or Marion Cotillards Miranda is also a common technique of dealing with the separation of the private and the public life. To create an alternative persona that can act on its own might come in handy when having a lot of public appearances. Funnily enough that approach can be seen on Christian Bale himself, as he is often completely transforming himself in order to play different characters, but is still always notable in the shot. Its like Batman and Bruce Wayne. Nobody knows that they are the same person, but if you count to ten you might be able to figure it out. Its difficult to switch between these two personality types because they easily can get mixed up. The are still influencing each other. So when Bruce Wayne is frustrated, Batman is weak. No matter how hard you try to divide them, they are always together. But an alter ego is also a shield. Catwoman is the only thing that can keep Selina save. And Miranda couldn’t achieve her goals if she didn’t pretend to be someone else.


And although he is rarely in this movie, I have to talk about Harvey Dent aka Two Face aka Aaron Eckhart. The split personality. To switch between a public and private persona in a matter of seconds is more then difficult. And to show the two sides as one without neglecting either one of them requires a lot of strength and a lot of training. You openly accept, that you are living two lives. And you don’t hide either one of them. If the situation requires a public opinion, you share it, without holding back your private point of view. And if you are in private, your public version never really leaves you. No shield, no hiding. Everything is exposed. It’s honest and kind of dangerous.


Now, as an actor I am confronted with the decision of how to deal with public events. Heck, we all are. Whether it is going to the supermarket or walking the red carpet. You can hide, you can protect, you can open up. And if you don’t know which way you want to deal with that, take a closer look at The Dark Knight Rises. It offers a variety of options to choose from.

…Unless you can be Morgan Freeman. Then be Morgan Freeman.


Nudity in Film – Die Kunst einer Nacktszene

Nacktszenen sind so alt wie Film selber. Und mit Privatsendern wie HBO oder Starz haben sie einen festen Sitz in der modernen Unterhaltung bekommen. Zu Recht. Denn in einer guten Nacktszene kann ein Charakter Schwäche zeigen, Stärke beweisen, sein purstes Äußeres und sein tiefstes Inneres offenbaren. Doch genauso kann eine Nacktszene auch platt und inhaltslos sein und einen ganzen Film kaputt machen.

Nackte Schauspieler

Über Jahre haben wir gelernt, uns in Charaktere hineinzuversetzen. Und damit meine ich nicht nur die Schauspieler, sondern auch die Zuschauer. Wir wissen alle, dass Leonardo DiCaprio ein erfolgreicher Schauspieler ist. Wenn er aber einen armen Schlucker spielt, blenden wir diese Information aus. Jede Geste wird nun als Geste des Charakters abgebucht. Und im besten Fall vergessen wir den Schauspieler hinter der Performance.
Doch es gibt auch immer wieder Momente, in denen man aus der Kinoerfahrung in die echte Welt geschmissen wird. Im schauspielerischen Bereich liegt das meistens daran, dass ein Darsteller ängstlich oder egoistisch spielt. Fast sofort wird die Verbindung zum Charakter gebrochen, denn alles auf der Leinwand wird nun von den echten Emotionen des Schauspielers diktiert.
Besonders häufig kommt das natürlich in Nacktszenen vor. Denn während man als Schauspieler gelernt hat, sein tiefstes Innere vor einem fast fremden Publikum preiszugeben, ist eine Nacktszene immer noch das Verletzlichste, was man tun kann. Kein Wunder also, dass hier Angst und Egoismus eine große Rolle spielen.

Übrigens gilt das für Nicht-Nacktszenen genauso. Denn während Emilia Clarke nach ihrer vorherigen Weigerung weitere Nacktszenen zu spielen, doch erneut voll frontal zu sehen ist, hat sich Kit Harrington, der sich für mehr männliche Nacktheit ausgesprochen hat, trotzdem mit einem kleinen Tuch bedecken lassen.

Eine Entscheidung, die der Charakter so nicht getroffen hätte.

Eine Nacktszene schreiben

Es gilt also … wenn eine Nacktszene nicht aus der Handlung oder dem Charakter entspringt, wirkt sie im besten Fall fehlplatziert. Oft sind natürlich die Zuschauerzahlen ein ausschlaggebender Faktor dafür, dass sich Thor das T-Shirt auszieht. Doch wenn man Nacktheit nutzt, um die Spannung zu halten oder zu schocken, dann ist das schlichtweg lazy screenwriting und damit sollte man sich als Zuschauer nicht zufriedengeben.

Bei einer Nacktszene gelten dieselben Regeln wie bei Action & Comedy auch. Wenn sie nicht charaktermotiviert sind, haben sie in einem Film nichts zu suchen. Nichts ist nerviger, als ein Charakter der unerklärt auf einmal kämpfen kann. Und wenn ein Charakter einen Witz macht, der nicht zu seinem Repertoire gehört, kann man nur halb so doll darüber lachen.

Richtig eingesetzt hat man während einer Nacktszene aber die Möglichkeit, seine Charaktere in eine Situation zu führen, die ein ganz neues Potenzial entfaltet. Denn egal wie offen man ist, Nacktsein ist verletzlich. Wenn Beowulf also nackt gegen Grendel kämpft, beweist er damit eine enorme Stärke. Und wenn sich Scarlett Johansson in Under The Skin auszieht, dann zeigt das die Neugier und das Vertrauen, das ihr Charakter entwickelt hat. Und auf einmal wird die Nacktheit zur Nebensache.

Ein Körper ist ein Körper

Wenn man erst einmal jeglichen Egoismus und jegliche Angst aus einer Nacktszene nimmt, jede Studioentscheidung fallenlässt, und darauf hört, ob die Charaktere in der Situation nackt sein wollen oder nicht, verliert das Ganze an Bedeutung. Ein Körper ist ein Körper. So schön und natürlich wie er eben ist. Man kann mit ihm genauso viel ausdrücken wie mit einem Lächeln, einer Kamerafahrt oder einer Pause. Denn im Vordergrund steht jetzt die Emotion. So wie es in jeder guten Szene sein sollte.



Pulp Fiction // Miracle

Vor ein paar Tagen habe ich zum ersten Mal Pulp Fiction geschaut.

Ich hatte mich immer ein bisschen davor gewunden, diesen Film zu gucken, da sich meine Brutalitätstoleranz in Filmen eher am unteren Rand des Spektrums befindet. Aber dazu muss man sagen, wer fünf Staffeln Game of Thrones geguckt hat, kann auch mal ein bisschen 1994er Tarrantino-Gewalt aushalten.

Grundsätzlich bin ich sehr positiv überrascht. Meine Güte sind das Hammer-Dialoge zwischen Samuel L. Jackson (!) und John Travolta. Die komplette Bruce Willis Sequenz hätte man sich meiner Meinung nach sparen können (die immerhin ein Drittel des Films ausmacht). Trotzdem hat mir der Film echt Spaß gemacht.

Meine allerliebste Lieblingsszene ist definitiv die „Miracle“ Szene. (An dieser Stelle sollte ich vielleicht dazu sagen, dass ich die erste Hälfte des Films als Directors Cut in chronologischer Reihenfolge geguckt hab. Das heißt, die Szene war nicht gesplittet.)

Diese Szene oder besser der Dialog hat mich so sehr an einen Gedankengang erinnert, den ich neulich hatte. Und der geht folgendermaßen: Es gibt die Wachrüttler und es gibt die Miracles. Wachrüttler sind: mit dem Rad ganz knapp nicht in die Schienen zu kommen, das Handy im letzten Moment auffangen oder das Baby …

Naja und die Miracles sind Momente, in denen man eigentlich schon zum Scheitern verurteilt ist, aber man irgendwie doch heile rauskommt. Und egal ob Wachrüttler oder Miracle, ich finde, Jules hat recht. Ich bin nicht im herkömmlichen Sinne religiös. Aber manchmal sollte man, egal an wen oder was man glaubt, einen kurzen Gruß dahin schicken. Ein kurzes Durchatmen und ein universelles : „DANKE MANN!“ hilft mir zumindest total, die Kontrolle in solchen Situationen wieder zu übernehmen.

Also Danke Quentin dafür, mich mit deiner abgefahrenen Szene, daran zu erinnern!


Jules: Yeah, man, that’s what it means. That’s exactly what it means! God came down from heaven and stopped the bullets.

Vincent: I think we should be going now.

Jules: Don’t do that! Don’t you fucking do that! Don’t blow this shit off! What just happened was a fucking miracle!


Jules: We should be fuckin‘ dead now, my friend! We just witnessed a miracle, and I want you to fucking acknowledge it!

Vincent: Okay man, it was a miracle, can we leave now?


Hearts of Darkness & andere kreative Apokalypsen

Heart of Darkness

Ist eine Novelle von Joseph Conrad über eine Bootsfahrt auf dem Kongo in das Herz von Afrika. Conrad zieht eine Parallele zwischen London und Afrika als Orte der Dunkelheit. Conrads Gedanke: Es gibt nur einen sehr kleinen Unterschied zwischen sogenannten zivilisierten Menschen und Wilden.

Apokalypse Now

Ist ein Antikriegsfilm von 1979, der während des Vietnamkrieges spielt und lose auf der Novelle von Conrad basiert. Regie führte Francis Ford Coppola. Der Film erhielt die Goldene Palme in Cannes, zwei Oscars, drei Golden Globe Awards sowie zahlreiche Nominierungen. apoka4Die Dreharbeiten im philippinischen Dschungel und der DomRep waren – ein Desaster. Stürme zerstörten das Set, die Drehbedingungen wurden durch Hitze und Locations erheblich erschwert, der Hauptdarsteller Martin Sheen erlitt einen Herzinfakt. Dazu dauerten die Dreharbeiten über 16 Monate und überschritten das geplante zeitliche und finanzielle Budget erheblich.





  Hearts of Darkness – A Filmaker’s Apokalypse



Ist ein Dokumentarfilm von 1991, der größtenteils aus dem während der Filmarbeiten gedrehten 16mm Material von Eleanor Coppola besteht.

Eleanor, die Ehefrau von Coppola, war mit den drei Kindern des Paares mit dem Filmteam in den Dschungel geflogen. Sie hat nicht nur die Dreharbeiten, sondern auch Rituale der Eingeborenen oder Gespräche mit Coppola aufgenommen, zum Teil ohne sein Wissen.

Künstlerische Apokalypsen

Ich weiß eigentlich gar nicht genau, warum ich mir den Dokumentarfilm auf einmal ansehen wollte. Vielleicht, weil ich feststeckte. Mitten in einem Buch, das mir über den Kopf gewachsen war, das ich schon so lange mit mir rumschleppte und das ich sowohl als Megadesaster als auch Meisterwerk bezeichnen konnte, je nachdem, wie meine Tagesverfassung gerade war. Irgendetwas stimmte nicht mit meinem Text, die Message hatte ich schon lange nicht mehr klar im Blick – wozu auch – das ganze lief aus dem Ruder. Je größer das Vorhaben, und je größer die Message, die man in die Welt bringen will, desto sicher erlebt man es: Das künstlerische Endzeiterlebnis. apokalypsen

Jeder Künstler kennt das, den Moment, indem man sein eigenes Projekt gegen die Wand fährt, blind durch die Gegend tappt, in der Hoffnung, dass am Ende alles aufgeht und doch noch gut ausgeht. Es war also ein großer Teil an Verzweiflung mit im Spiel, als ich mir den Film vorholte oder auch Hoffnung: Schauen wir mal, wie Coppola das alles hinbekommen hat, denn das hat er ja offensichtlich und Preise noch dazu bekommen.apokalypsen


Die erste Erkenntnis: Es war bis zum Schluss ein Disaster. Der Punkt, an dem sich alles in einen Erfolg verwandelte, es gibt ihn nicht. Bis zum Ende der Dreharbeiten war unklar, ob Coppola diesen Film jemals beenden würde, es überhaupt ein Film werden würde. So ungefähr alles ist schiefgegangen, keine Szene lief nach Plan, kein Schauspieler gehorchte dem Drehbuch oder den Reigeanweisungen. Und auch Coppola selber war sich nicht sicher, was er eigentlich wollte und schrieb Szenen ständig um. In dieser brutalen Offenheit habe ich künstlerisches Scheitern noch nie gesehen.apokalypsen

In einem Interview zu Apokalypse Now sagt Coppola:

„We were in the jungle, there were too many of us, we had access to too much money, too much equipment, and little by little we went insane.“

Manchmal ist die größte Chance – die lange Zeit, das unbegrenzte Volumen, die besten Voraussetzungen – der sicherste Weg zu scheitern. So kam ich mir auch vor, gesegnet mit dem großen Vertrauen des Verlages, mit viel Zeit, mit besten Schreibmöglichkeiten und trotzdem verzweifelt. Meine Protagonisten machten, was sie wollten, niemand hielt sich an meine Outline, ich selber schon gar nicht. Ich schrieb und schrieb um, ich verlor den Überblick. Doch was ich auch in diesem Dokumentarfilm gesehen habe: Am besten macht man einfach weiter. Hofft, dass der Schaden an Psyche und Körper im Rahmen bleibt, hofft, dass am Ende wenigstens etwas entsteht, zu dem man stehen kann. Irgendwie. Das Meisterwerk hat man zu diesem Zeitpunkt sowieso schon aus den Augen verloren. Gut so.


Also weiterschreiben, sortieren, sich an allem abarbeiten. Streichen, ständig ändern, immer wieder neu herausfinden, was man eigentlich sagen will, ob man es so sagen sollte, was das alles eigentlich bedeutet? Am Ende zählt vor allem der Versuch, der Prozess, die Metamorphose, die man durchlebt. Und man muss sie offenbar durchleben. Zivilisierte Menschen stehen daneben und behalten die hundertprozentige Kontrolle. Wilde legen einfach los, lassen es raus, drehen durch. Es ist nicht nur so, dass zwischen beiden Verhaltensweisen kein großer Unterschied besteht, es MUSS sogar beides zusammenkommen, wenn man künstlerisch arbeitet.

Danke, Eleanor und Francis, dass ihr mich wieder daran wieder erinnert habt. Ich schreibe also weiter. Und ihr solltet euch Hearts of Darkness ansehen.